El arte y la belleza: reflexión

Parece ser que sobre el tema de la belleza cada persona tiene unos parámetros personales. Lo que es bonito para unos, para otros no lo es. Así es que no encontraremos una respuesta unánime. Sin embargo si hablamos de moda, sí hallaremos más fácilmente clasificaciones y adeptos para cada una. Aunque aquí podríamos preguntarnos: ¿por qué seguimos una moda?, ¿por qué se lleva o por qué nos gusta? Estas cuestiones trasladadas al arte, ya hace tiempo que me han hecho reflexionar.

La belleza no es sinónimo de perfección. Una cosa o una imagen pueden ser bellas sin poseerla. Desde mi punto de vista, totalmente subjetivo claro está, la belleza es un tipo de energía que irradia a través de una forma. Es algo que se capta sensorialmente, que deleita nuestros sentidos, que nos exalta de alguna forma y causa una resonancia positiva en nuestra alma, dejándonos con una sensación de plenitud.

 

En la actualidad el artista goza de total libertad: temática, técnica, estilo… no tiene ataduras que le ciñan a unas determinadas normas, como antaño. Así es que no tiene límites. El arte desde ya hace algún tiempo engloba diferentes vertientes:  realista, visionario,  protesta,  abstracto, figurativo, matérico, expresionista…. Y aun así parece que poco a poco se va alejando de la belleza, genéricamente hablando -pues hay también muchas excepciones- para centrarse puramente en la forma. Quizás falta conjugar una forma estética con  un fondo energético positivo, que podría devolvernos de nuevo a ver más belleza en el arte.  Este no deja de ser un reflejo de una sociedad y la nuestra mayoritariamente es bastante materialista, debido a que hasta la fecha ha imperado un exagerado consumismo, que quizás ahora con la crisis se irá transformando por pura necesidad. Se tendría que encontrar una economía más ecológica y ecuánime, donde no sólo se tenga en cuenta la explotación para las ganancias pecuniarias -que ha ocasionado tanta devastación, sino que también debería valorar  otros aspectos más humanos.

Creo que la verdadera belleza no necesita de filosofías, ni teorías para gozarla, sencillamente nos llega y  nos llena interiormente, con su irradiación. Nos  atrae hacia su campo magnético y participamos de su vibración. Eleva nuestro estado anímico. Puede presentarse desde cualquier estilo, sólo hace falta estar dispuestos a encontrarla y  tener la paciencia necesaria para saber esperar  y poder expresarla. Dependerá del grado de sensibilidad personal  de cada uno poder apreciarla, con mayor o menor intensidad.

¿Por qué no intentar atraer más belleza y estética para nuestras obras? Originariamente la belleza iba de la mano del arte, pero un día poco a poco  empezaron a distanciarse.

Perseguir, alimentar y realizar nuestros sueños




 Observando: obra de "Rosa Mª Gallego"

Nuestros verdaderos sueños personales en ocasiones pueden sentirse como necesidades vitales, más que como ilusiones. Podemos desear muchas cosas y podemos ilusionarnos con ellas, pero también pronto nos cansaremos y alejaremos, dejándolas de lado.  Creo que cuando el deseo se convierte en una necesidad prioritaria, quizás sea la señal de que es nuestro verdadero sueño personal, siempre que sea creativo y sano, claro está. Este tipo de sueño nos estimulará, nos dará fuerza, motivación, ganas de construir, crear... nunca nos permitirá dañarnos ni dañar a nadie. Más bien querrá ser una contribución social. Los hay de muy diferentes tipos: de creatividad, investigación, pedagógicos, asistir y cuidar de otros, sociales... el abanico es muy amplio; cada cual puede escucharse a sí mismo y ver qué es lo que realmente le estimula y saber poner allí su energía. Nuestro verdadero sueño podrá dar a nuestra existencia un eje que podrá convertirse en una especie de columna vertebral, que permitirá enderezar nuestra vida y movernos con pasión en el día a día. Nos dará energía para ir  derribando posibles obstáculos y  tener la suficiente paciencia de ir paso a paso hacia la meta propuesta.

También es posible que hallemos nuestro sueño por pura casualidad, sin saber que teníamos una predisposición innata hasta haber conectado con él, por puro azar de unas determinadas circunstancias. Sea como sea nuestra intuición nos dirá que lo sigamos.

Para algunas personas este objetivo es tan claro, que ya de pequeños son conscientes de él y cuando crecen se ponen a realizarlo de inmediato, otros tendrán que descubrirlo y unos cuantos aún conociéndolo lo extraviarán para reencontrarlo más tarde.

En mi caso a los 7 años me encantaba hacer dibujos para otros niños, por el puro hecho de crearlos y entretenerme. Cuando me preguntaron en el colegio que quería ser de mayor, respondí con convicción y seguridad: pintora; pero luego los años pasaron y no supe elegir correctamente mi salida profesional, pues en aquel momento no sabía que las hubieran y fueran rentables en el campo artístico, para poder vivir de ellas. Así que derivé en una formación profesional administrativa y empecé a trabajar cuando finalicé los estudios. Esta mala elección me pasó factura años más tarde física y psicológicamente. Dentro de mí algo me decía que me había equivocado en algo muy importante: la profesión tenía que ser vocacional y seguramente las fuerzas creativas que existían en mí, al no poder darles salida, se revelaron en forma de ansiedad y desasosiego. De todas formas esta sublevación energética hizo que me pusiera en marcha y subsanara el hecho de haber menospreciado el arte, arrinconándolo en mi vida. Así es que la ansiedad vivida en aquellos momentos fue el motor de búsqueda incesante de un espacio para poder dedicarme al arte: un taller. Esta necesidad fue vivida más fuerte que el hambre y el sueño, era vital realizar cambios en mi vida para poder sanar. Así que también empecé a encontrar tiempo para pintar después del trabajo y también incluí los fines de semana, ya que esta actividad me demandaba cada vez más tiempo y dedicación. También me matriculé en una escuela de arte, para adquirir los conocimientos básicos, aunque prácticamente me considero autodidacta, pues nunca he seguido al pie de la letra  los tecnicismos pictóricos. La práctica, experiencia y descubrimientos del día a día del propio artista creo que es lo que le hace  progresar. Poco a poco mi destreza fue  prosperando y poco a poco pude darle una salida más profesional a mi arte, con lo cual también mejoró mi estado emocional y crecimiento interior.

En la actualidad tengo dos trabajos: uno profesional que me da una cierta estabilidad y el otro artístico vocacional más inestable, pero me siento en paz conmigo misma por poder canalizar las energías creativas y mostrar mis obras en exposiciones y ferias, sabiendo que podrán verlas y adquirir alguna en cualquier momento. Por otro lado esta circunstancia laboral dual me da más libertad para crear y recrearme en cada obra que realizo,  sin estar sometida a presiones por plazos impuestos por terceros.

Iniciamos nuestro sueño como se pueda, es como el andar de los niños, no saben pero intentan levantarse y un pie sigue al otro y poco a poco empiezan a andar. Al principio no dominas los pinceles ni tienes precisión en los trazos, podría decirse que hay hasta cierta torpeza; pero lo importante es experimentar, la misma pasión con el pasar de los días, junto con el estudio y la observación hace que se progrese y como no también existe el factor inspiración, que sólo nos pide para asistirnos que estemos trabajando.

Sabes que persigues un sueño, quizás sea una quimera; ni tan siquiera se tiene la certeza de que se va a llegar al final del camino, tan sólo se sabe que se está en la ruta que nuestra alma ha elegido, porque conoce que está destinada a seguirla y sabe que para hallar cierta paz tiene que recorrerla y  que de no hacerlo podría, aunque fuera en un recóndito lugar, sentir cierta frustración.

Día a día también nuestro sueño personal nos alimenta  y nos hace crecer como personas y lo más bonito es que la realización de nuestro sueño también alimentará a otros.

Pintura simbolista

  

Amor incondicional:
obra de "Rosa Mª Gallego"

Pintura simbolista, desde mi punto de vista, es aquella que para expresar una idea gráfica utiliza una serie de símbolos, quedando así metafóricamente expresada. Es una pintura que sirve para expresar ideas, así como sentimientos. Podemos pintar por ejemplo:  la tristeza, la alegría, el amor, la humildad, la bondad, la paz, la compasión, la esperanza –por citar algunos. Para poder expresarlos necesitamos inventar o escoger unos símbolos que nos permitan vivenciar la obra y sentirla, sobretodo sentirla. Creo que en este tipo de pintura el sentimiento es muy importante; la obra debe irradiarlo. Es también importante pintar desde el alma, el yo interior, con el corazón.
 

Su importancia no estriba en la técnica ni textura sino en su contenido.


El artista simbolista tiene alma de poeta y es su alma la que crea todo un lenguaje plástico, capaz de definir y transmitir su mensaje interno.
 

Si repasamos la historia del arte podríamos citar a muchos pintores, pero por escoger unos pocos :  Moreau,  Edward Burne-Jones,  Blake.




 

El artista como explorador : al encuentro de nuevos caminos

Dicen que para ganar hay que arriesgar… Para hallar nuevos caminos en el arte también  tenemos que arriesgar…  olvidar lo conocido y partir de cero en cada creación. Experimentar constantemente, estar abiertos, receptivos a lo que el cuadro quiere comunicarnos. Algunas veces ocurre que estamos tan obcecados en una idea de lo que queremos conseguir, que nos cerramos al diálogo del cuadro y al mismo tiempo negamos la propia personalidad  de la obra que quiere  nacer. ¿Cómo nos podemos dar cuenta de ello? Pues en alguna ocasión me ha ocurrido estar pintando sobre el cuadro colores perfectamente compatibles y al mirar el  cuadro ver que este los está rechazando. Esto parece bastante absurdo, pero así es. Lo miras, lo vuelves a mirar, no lo entiendes… pero percibes que el cuadro quiere otros colores. ¿Cuáles? Pues no lo sabemos, ahí está el enigma de la cuestión. Aquí comienza un proceso de búsqueda: pruebas un color, después otro… y así tantas veces hasta que algo en tu interior te dice que  está mejor. Tengo que decir que me he encontrado con algún cuadro que realmente ha sido muy caprichoso, en cuanto al color se refiere y que me ha costado mucho ajustarlo a sus necesidades y en algún que otro, me he quedado a medio camino, sin conseguirlo.

Otras veces al ir escuchándole, mirándole… nos hace rectificar su estructura o composición, no importa, lo que haga falta. Si hay que rectificar se rectifica una vez o las que sean necesarias. Este proceso también se repite en composiciones que han sido poco elaboradas en boceto y al estar poco estructuradas e inacabadas, porque quizás la idea todavía no ha madurado del todo, se producen más cambios que en otras ocasiones para poder rehacerlo, dejando alguna que otra cicatriz, de alguna que otra operación de rectificación. Tengo cuadros que si los miras muy de cerca las percibes y en otros hasta podrían tocarse con la mano por su relieve. Este efecto puede agravarse más si la rectificación resulta insuficiente y finalmente derruimos su estructura aprovechando tan sólo unos pocos rasgos iniciales,  por ser sus trazos más gruesos o por tener ya varias capas de rectificaciones. También las personas tras el paso de la vida  vamos acumulando cicatrices, bien sea en el cuerpo o en el alma; así que tampoco debemos valorarlas como algo feo, sino como un proceso que ha sido necesario para salvar o hacer madurar nuestra obra.

El artista explorador no sabe bien que es aquello que busca, pero si sabe distinguir  cuando lo que tiene delante no le satisface y ahí empieza su andadura de constantes cambios en un mismo cuadro, en un hacer y deshacer constante y a veces compulsivo y obsesivo hasta que queda  satisfecho del resultado que obtiene o se rinde porque siente que ya no puede ir más allá. Muchas veces llega al límite y la obra que tiene entre manos se debate entre ser acabada o derruida por una versión o tema nuevo, de mejor resolución. Es un inconformista nato, pues no se conforma con el primer resultado si en sus entrañas algo le dice que se puede mejorar y es un rebelde, porque se rebela ante las dificultades que le ofrece la obra y lucha con todas sus fuerzas por salvar cada una de ellas.

Ni que decir tiene que esta forma de abordar el trabajo es muy laboriosa, ya que algunas veces antes de finalizar una tela, esta ha vivido en si misma cuatro o cinco versiones, a veces bastante diferentes unas de otras. También requiere valor. Sí, valor para cuando después de mucha lucha  se llega a un resultado aceptable - pero no siendo  todavía satisfactorio-   se va en busca de lo desconocido, sabiendo que se arriesga a perder todo el esfuerzo que ha invertido hasta aquel momento y que no es poco.

El artista explorador pocas veces queda satisfecho totalmente, pero finaliza sus obras porque reconoce sus límites y sabe que obra tras obra su arte mejora y para ello es importante empezar otras. Es alguien que sin saberlo ni proponérselo quizás pueda abrir nuevos caminos.

 

La geometría



Mándala: Vida y Universo.
Dibujo de : "Rosa M. Gallego"

 

Esta composición que aparece aquí, pertenece a un estudio que hice sobre las  formas geométricas y sus derivadas figuras, fruto de sus asociaciones. Aquí sólo he utilizado el círculo y el cuadrado para su elaboración. Ha sido realizada y coloreada de forma totalmente intuitiva. Realicé varias versiones sobre el color y finalmente escogí esta, por el efecto  positivo que me produjo. Esta me pareció que hacía referencia a la vida y al universo, por su colores: rojo, azul y blanco, también por la combinación única del cuadrado y el círculo.

 

Es una imagen un poco chocante en cuanto a su efecto, ya que el rojo es un color estimulante y el azul relajante. Creo que induciría a una acción centrada.  El rojo está asociado a la vida y el azul con el universo, así que podría indicar un intercambio y equilibrio de estas dos energías. Esta figura, de alguna forma, nos está hablando de la necesidad de materializar los ideales del universo, de integrarlos en nuestra vida, para que esta sea armónica. De la fusión del universo con la vida, vendrá la armonía. Creo que en estos momentos de crisis económica y crisis de valores, que estamos viviendo, es importante que alimentemos nobles ideales -ya que una sociedad paralelamente a la nuestra-  se está gestando, pero necesita que la nutramos potenciándolos y ejerciéndolos en nosotros mismos. De una sociedad "egótica y  materialista", vamos a pasar a otra donde  primará la empatía; donde  reinará el respeto y el cuidado: de uno mismo, del prójimo, del planeta y todos sus seres. Desaparecerá la explotación de cualquier ser vivo,  porque imperará la consciencia. 

La geometría nos puede ayudar a centrarnos y conectarnos con nosotros mismos.

Con las tres figuras básicas: círculo, triángulo y cuadrado podemos crear infinidad de formas, combinadas con infinidad de versiones para sus colores.  

La geometría tiene algo de sagrado, sólo hay que ver que estas formas básicas existen en multitud de templos. Se puede crear mucha belleza con ella, si se saben armonizar los colores. Da mucho juego y nos ayuda a  equilibrarnos. Para componer  es preferible hacerlo totalmente de forma intuitiva; pero si queremos analizar la imagen a posteriori, recordaríamos:

El círculo: es el todo, el infinito, el universo, el sol, la unidad.

El triángulo: tiene que ver con la trinidad, la creación, la fuerza, la energía

El cuadrado: la materia, la construcción, la solidez, la  estabilidad

Lo más importante cuando realizamos composiciones geométricas, es escucharnos interiormente, para discernir que composiciones conectan con nosotros y que colores son los afines para el momento de su creación. Después de ver varias versiones, nos quedaremos con aquella con la cual nos sintamos más sintonizados.

La geometría posee en su simbología un lenguaje universal e intemporal, que parece conectar directamente con el alma humana, por lo cual creo que ejerce una acción de positivización  en la mente.

Su utilización también puede ayudarnos a la hora de componer un dibujo o cuadro, ya que hará que distribuyamos de forma armónica sus elementos.

Pintura visionaria.



 Ángel: con silencio podemos escucharle.
Obra de: "Rosa Mª Gallego"

El arte visionario generalmente ha sido realizado por artistas autodidactas, muy creativos.

Desde mi  propio punto de vista, podría  decir que la pintura visionaria es aquella que nace del interior sin un modelo externo a copiar. Es la que   bebe de las fuentes de la espiritualidad, vivencias internas, poesía, estados de sentimientos, emociones y de todo aquello que pueda ayudarnos a crecer y madurar como personas y pueda nutrir el alma.

El pintor visionario mira dentro de sí, se observa, se escucha y también se preocupa de alimentar su  alma, para  cargar de buena energía sus obras.

La pintura visionaria goza de total libertad y al no tener referencia externa como modelo, a veces se ralentiza su trabajo por no saber cómo seguir o terminar un cuadro, pero de una forma u otra los elementos van apareciendo y se van recolocando y armonizándose. Es un proceso bonito. Van emergiendo, como por arte de magia, hasta terminar por encajar todo en un engranaje mágico. A veces esto se produce fácilmente, en otras hay que vencer algunos obstáculos: armonizar colores, equilibrar las composiciones, ver lo que sobra, lo que falta  y sobretodo preguntarse qué es lo que va aportar la obra y sentir que efecto produce, porque  es importante que  se produzca una comunicación. De vez en cuando y lamentablemente  también aparecerán obras que se malograrán y se tendrá que volver a empezar de cero. Las obras tienen que nacer y hay nacimientos rápidos, lentos, difíciles y también abortos. No creo que este tipo de pintura sea  fácil, pues exige un alto grado de creatividad, paciencia,  una buena dosis de fe y sobretodo perseverancia. No me cabe duda de que la perseverancia es su piedra angular, el deseo de extraer de cada nueva obra su mejor versión. En algunas obras primará el color, en otras las formas, en unas la pincelada será fina en otras quizás más espesa, unas serán más espontáneas otras más meditadas… pero todo se supeditará a las necesidades de cada  cuadro y el efecto que quiera producirse. El conjunto quedará supervisado por la brújula interna de la intuición del pintor. A medida que avanza en su trabajo, año tras año irá agudizándose paulatinamente su sentido del color,  contraste y armonización de los colores.

Pienso que  la mayor dificultad, que puede tener este tipo de pintura, es crear elementos de la nada, porque no hay más referencias que las que va creando  la inspiración del propio artista; pero si la pintura visionaria  se lleva en la sangre o bien ha llegado a nosotros hay que darle salida y compartirla, para que no se extinga. El arte ofrece muchas vertientes diferentes; así que si uno siente la llamada del arte, debe elegir aquella que más se adapte a su idiosincrasia.


Por último recordar unas palabras del artista Alex Grey:

"Los artistas visionarios hacen arte espiritual y religioso para la comunidad; esa visión es la que perdura a través de los siglos y el cambio de los tiempos. Hacen imágenes que hablan al alma y son verdaderamente universales".

Mi vida como artista








Centramiento.
 Obra de: "Rosa Mª Gallego"

Es un trabajo exterior-interior. Trabajo que engloba toda una filosofía y toda una lucha por encontrar un equilibrio entre la dualidad positivo-negativa. Es ir deshaciendo esta complicada madeja que es la mente para ir desgranando poco a poco alguna verdad que me trae un rayito de luz. 

Es observar tanto dentro como fuera y aprender de todo lo que se pueda; también de las fases más grises y oscuras –que aunque son desagradables y poco bonitas- son buenas maestras que pueden levantar los  velos de la ilusión, ignorancia o hacernos invocar a la luz, para que nos asista y vaya moldeándonos  -haciéndonos poco a poco más luminosos.

Es crear obras de arte que conecten con nuestra alma y puedan nutrirla, como lo hace la poesía.

Recuerdo que cuando decidí dedicarme al arte de una forma más profesional, al mismo tiempo encontré una  persona que,  mientras me daba unas clases de pintura a la aguada -tipo zen-, con su sabiduría supo mostrarme el arte como un camino espiritual. Me  habló de Antonio Blay,  Sri Aurobindo y Mirra Alfassa  ("Madre"). Fue entonces cuando poco a poco, mi pintura se fue convirtiendo en un arte visionario del mundo interior; aunque quizás ya había una predisposición natural, porque siempre me han gustado pintores singulares como Gustave Moreau, Blake, Frida Kahlo, Georges Rouault, Rossetti y Burne-Jones, entre otros.

Cuando finalicé mi primera exposición como pintora, me pregunté a mi misma que camino quería seguir y  tras una reflexión escuché en mi interior que me gustaría que  las obras pudieran transmitir energía y belleza. Fue entonces cuando empecé a  contemplar el arte  desde la perspectiva de irradiar energía. Años más tarde pude comprobar que había más pintores que compartían esa idea.  www.energyart.es 

Siempre he admirado las obras del renacimiento y del gótico, no sólo por la buena técnica con las que fueron realizadas, sino también por la energía que desprenden, es una mezcla de belleza y amor que se siente no sólo con la vista sino con el corazón.  Es esta energía la que busco en mi creación, para poderla transmitir en mi obra. Lejos estoy de la maestría  que poseían los maestros del renacimiento, además poseían una excelente técnica, pero me sirve de fuente de inspiración. El amor es el principal ingrediente de la belleza.

Creo que es importante para el artista ser receptivo.

La receptividad coloca al artista en posición de recibir la ayuda de una inspiración luminosa.

Podría decir que mi obra  procura  asentarse sobre tres pilares: espiritualidad, sanación y energía.

  

La simetría

  

Energía solar. Obra de : "Rosa Mª Gallego"



Creo que la simetría es importante como ayuda para equilibrar los dos hemisferios cerebrales. Pienso que aporta armonía al ser humano, pacificando su mente.  En estados de alteraciones psicológicas: stress, depresión, nerviosismo… puede ser una ayuda ver o realizar simetrías geométricas armónicas. Sobre este tema es importante recordar los efectos beneficiosos de los mándalas.

Recuerdo una época en la que sin saber cómo ni proponérmelo llegué a realizarlas. Mi mente necesitaba ejercitarlas. Seguramente para tranquilizarse, había un exceso de actividad mental, envuelto con un manto de   ansiedad. Para poder realizar bien las simetrías empecé a aficionarme  a realizar sólo la mitad del dibujo, la otra parte requería del calco de la anterior. Para hacer el traslado primero reseguía el dibujo hecho con papel vegetal y luego con papel carbón debajo lo trasladaba al otro lado, así conseguía simetrías perfectas.

La simetría también  ha sido motivo de inspiración para algunos pintores, como por ejemplo Ferdinand Hodler; quien estableció la teoría del paralelismo recogida en sus escritos:   “La misión del artista”.   Su pintura desprende misticismo. Dotó a sus paisajes de simbolismo utilizando para ello la simetría como base compositiva, que él la llamó “paralelismo”. En algunas de sus obras donde aparecen figuras humanas, también podemos ver una distribución simétrica. 

Desde la antigüedad la simetría nos acompaña. Encontramos simetrías en la arquitectura, ornamentaciones,  puertas o elementos de  hierro forjado, trabajos de ebanistería, cerámicas y en distintos elementos de decoración y aparece en diferentes culturas, como si formase parte del bagaje cultural del ser humano.

 

La simetría tiene un efecto relajante y equilibrante sobre el ser humano.

Frida Kahlo: Homenaje a una mujer valiente y genial artista




 

 Frida Kahlo: Valiente y genial en su arte
Obra de: "Rosa Mª Gallego"

 

 

Frida una mujer que supo elevarse por encima de los   obstáculos que el fatídico destino llevó a su cuerpo, tras sufrir un grave accidente en su adolescencia. Supo luchar con gran esfuerzo  por aferrarse a la vida –casi sobrehumano, podría decirse. Con todo su dolor interno y físico nos legó su tesoro artístico único e irrepetible, fiel reflejo de ella misma.

Muchas veces podemos ser absorbidos o derrotados por la frustración. Recordemos a esta mujer como ejemplo de superación, que pese a sus limitaciones físicas se agarró a la vida con toda su fuerza  y su arte. Fue una luchadora nata  -que a pesar de su dolor, impedimentos y frustraciones- luchó hasta el último  hálito, sobreponiéndose a las circunstancias.

Si tuviera que describirla con un color, sin duda elegiría un rojo limpio y vivo para poder definir su gran fuerza vital, pasión, creatividad, amor a la vida, gran energía, expansión y combatividad.

No nos olvidemos de utilizar nuestra sana combatividad para derruir, allanar y resistir a los obstáculos que puedan presentarse en nuestro camino, antes de conseguir nuestros sueños. Frente al desánimo o frustración: combatividad para no naufragar mientras traspasamos la tormenta.

Proceso creativo y la necesidad de afianzarse en la confianza






 Esperanza: La fe y la confianza nos sostienen
Obra de:  "Rosa Mª Gallego!

Algunas veces en el proceso creativo hallamos dificultades para enderezar la creación que estamos realizando, parece como que no quiere llegar a buen puerto, en esos difíciles momentos de no saber cómo seguir ni a donde vamos, hemos de confiar, de tener fe, que aunque no sabemos cómo, hallaremos una solución creativa para finalizar nuestra obra.  A veces también es  importante dejarla reposar días, meses y quizás  alguna requiera de años. No importa, todo forma parte de la creación. Más tarde hallaremos la inspiración que nos traerá una solución o nos hará partir de cero y crear otra obra a partir de las cenizas anteriores.  El artista aprende a navegar aún sin brújula y así es como muchas veces le llegan nuevos descubrimientos.  Hay que saber acoger esos momentos con una cierta esperanza, para no desfallecer; aunque hay que reconocer  que también en ocasiones sentimos mucha frustración por no poder seguir o finalizar en ese momento la obra. Con el tiempo reconocemos que también esto forma parte de la creación.

En estos momentos de baja inspiración y quizás de también de baja moral podemos aparcar el proyecto que tenemos entre manos  y  tomarnos el arte por su lado lúdico y dedicarnos a experimentar como niños el dibujo  y/o la pintura sin ninguna finalidad concreta, sólo puro juego.

Si el índice del sentimiento de frustración del momento fuera  muy elevado y la energía creativa muy escasa, quizás podríamos hacer un paréntesis y dedicarnos a otras actividades hasta que nos haya traspasado esa onda y podamos volver con renovadas fuerzas. Estos son momentos muy duros, porque es posible que aparezca otro ingrediente más:  nuestro crítico severo interior que  querrá amedrentarnos. Hay que buscar válvulas de escape que nos llenen interiormente, para poder reconfortarnos y nutrirnos de buena energía. La verdad es que es un sentimiento nada acogedor,  que parece que sólo quiera asustarnos ferozmente y  apartarnos de nuestra  meta, quiere hacernos dudar, debilitar nuestra confianza; por esto es muy importante  tener como buena aliada  a la esperanza; ser conscientes de que la inspiración tardará más o menos, pero finalmente llegará.

Resumiendo: cada uno encontrará cuales son las actividades en que puede llenar este paréntesis. En mi caso he utilizado mucho la música,  observar fotografías de libros de arte, leer libros reconfortantes, hacer deporte, tomar el sol y pasear. También tengo una libreta de dibujo destinada a ser utilizada en esta fase, sobre todo para enfrentar a nuestro severo crítico; es una forma de retarle, de achicar ese diálogo interno que genera. Es como seguir adelante diga lo que diga y así al vernos pintar a pesar de lo que nos dice, se va acallando. En ella me permito expresar lo que salga, sin importarme en absoluto lo bonito o feo que sea, me sirve para destaponar el atasco  del ataque de esas fuerzas paralizantes y desmotivadoras del momento. También la  utilizo como arte-terapia y pinto como me siento.

El arte también tiene sus momentos de expansión y  contracción en cuanto a la inspiración se refiere y no se puede nadar contracorriente.  Esto puede ocurrir en cualquier  rama del arte, por ejemplo:  que escritor no conoce el atasco de una página en blanco.

 

La fuente del arte






 

 En medio: Obra de "Rosa Mª Gallego"
Como una intermediaria de energías creativas



La fuente del arte es la espiritualidad, ya desde su nacimiento el arte bebió de esa fuente. Pienso que el arte debe nutrir al ser humano a través de un contenido simbólico visual, revelándole realidades superiores que su lógica no puede alcanzar, transmitiéndole su intuición superior y pacificar la mente que hoy en día está hiperactiva y absorbida por multitud de cosas externas, haciéndonos evadir el presente.

 

Esta  "nueva pintura" a la que me dedico quiere absorber la mirada del espectador en unos minutos de silencio mental para poder aportar su mensaje sin pasar inicialmente por un razonamiento. Esta pintura también tiene su pequeño grano de aportación social de pacificación, quiere hacer de puente entre el espíritu y la materia para poder aportar un reflejo de paz equilibradora.

 

 

 

 

Misericordia



Las pinturas de Vírgenes desprenden de sus rostros una sensación de misericordia: maternización, bondad, acogimiento, amparo al necesitado y amor incondicional.  Parecen ofrecer  compasión por los que sufren e impulsa a comprender sin juzgar. Todas ellas buenas cualidades a desarrollar para obtener un mundo más humano.




Misericordia: óleo sobre cristal  30 x 40 cm.
Obra de: "Rosa Mª Gallego

El arte como creación amorosa

Obras de: "Rosa Mª Gallego"

 Celebrando con la vida

 Ángel




Esperanza

Que otra cosa podemos expresar en arte, hoy en día, que no sea el amor; pues es el agua de nuestros corazones, que nos limpia y amplia nuestras miras.

Nuestras almas claman libertad y en nuestras entrañas algo escondido se desvive, en un ansía de paz. No encuentro ningún otro motivo, que me inspire, que crear obras que consuelen; obras que eleven nuestros sentimientos más profundos; obras que den calor a ese vacío humano, que algunas veces sentimos.




 

Sanación emocional







Primavera



  



Ho'oponopono

  

La fuente del arte es la espiritualidad, ya desde su nacimiento el arte bebió de esa fuente. Pienso que el arte debe nutrir al ser humano, a través de un contenido simbólico visual; revelándole realidades superiores, que su lógica no puede alcanzar; transmitiéndole su intuición superior y pacificar la mente, que hoy en día está hiperactiva y absorbida por multitud de cosas externas, haciéndonos evadir el presente.

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Acogiendo a tristeza

  

   

 

 Verano

   

Esta  "nueva pintura", a la que me dedico, quiere absorber la mirada del espectador en unos minutos de silencio mental, para poder aportar su mensaje; sin pasar inicialmente por un razonamiento. Esta pintura también tiene su pequeño grano de aportación social de pacificación. Quiere hacer de puente entre el espíritu y la materia para poder aportar un reflejo de paz equilibradora.

   





Otoño

      




En medio

Polinesia

Flor con frutos